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Las 30 mejores películas del 2020

Las 30 mejores películas del 2020.
Words Mirangie Alayon

Si hay algo que caracterizó al año 2020 en el mundo del séptimo arte fue una paralización casi total, al menos en lo que respecta a lanzamientos en las salas de cine. Muchas de ellas aún se mantienen cerradas en Latinoamérica y el mundo, impidiendo los estrenos de cintas esperadas como la número 25 de la saga de James Bond, o The French Dispatch de Wes Anderson, solo por mencionar un par.

Así debimos adaptarnos a lo que estaba a nuestro alcance: el streaming, que sin duda sirvió como bálsamo para nuestras preocupaciones relacionadas con la pandemia. Luego de que a principio de año Universal decidiera lanzar algunas de sus películas en este formato como The Invisible Man, hubo algunos experimentos exitosos como Trolls: World Tour que rompió récords de ventas, y Mulan, aunque no tan blockbuster, fue estrenada a través de Disney+, algo inimaginable antes del COVID-19.

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La excepción fue Tenet, retrasada en múltiples oportunidades, y finalmente estrenada en algunas pocas salas de EE.UU. y de Europa gracias a la insistencia de su director Christopher Nolan. No le fue muy bien en taquilla debido al temor de muchos espectadores de ir al cine, pero estamos seguros que para otros fue el highlight de su año. Aún así, nos quedamos con ganas de ver otras producciones que no llegaron ni a cines ni al streaming (The Father, Promising Young Woman, Saint Maud), y que tras su paso por festivales (que en su mayoría fueron suspendidos o transformados en experiencias virtuales) nos dejaron esperando para el 2021.

Aunque aún faltan estrenos (Soul, Wonder Woman: 1984) y luego del acuerdo de Warner Bros. con HBO Max que probablemente cambiará el panorama de la industria en 2021, la experiencia de ir al cine es algo que sigue siendo un recuerdo para muchos de nosotros hasta que el mundo cambie. Por fortuna, la tecnología todavía nos permite disfrutar desde casa de historias que nos mueven, nos conmueven y que recordaremos por mucho tiempo. A continuación, nuestra selección de las mejores películas del 2020.

30. Wolfwalkers | Dir. Tomm Moore & Ross Stewart

Comenzamos la lista con esta seductora delicia animada de Tomm Moore y Ross Stewart, que es sin duda el mejor filme animado del año. Cuenta la historia de una chica inglesa en la Irlanda del siglo XVII que anhela convertirse en cazadora de lobos como su padre, solo para hacerse amiga de una misteriosa punk que vive en el bosque y que lleva el secreto de los lobos dentro de su propio ser. Wolfwalkers combina magistralmente el espíritu místico de una canción de Kate Bush, interpretada en un deslumbrante esquema de diseño moderno de mediados de siglo. Su hechizo es irresistible, así que no dejes de verla.

29. El Hoyo | Dir. Galder Gaztelu-Urrutia

Ambientada en una especie de prisión delgada y vertical que tiene muchos, muchos pisos, sus residentes se ven obligados a intercambiarse entre estos niveles cada 30 días, pero no saben a cuál van a ir. Un día podrían estar en la cima, al siguiente podrían estar en algún lugar mucho más abajo. Cada día, son alimentados a través de una mesa con un suntuoso festín: langosta, vino, pasteles, lo que sea. Pero aquí está el truco: la extensión se baja a través del hoyo del título de arriba a abajo. Lo que significa que los que están en la parte superior pueden darse un atracón, mientras que los que están en la parte inferior se quedan con las sobras. Naturalmente, las cosas se ponen feas muy rápidamente. Es rara, oscura, afiladamente política y a veces bastante difícil de ver, pero fascinante.

28. His House | Dir. Remi Weekes

Tal vez uno de estos fines de semana de fin de año te encontraste en Netflix con His House, la ópera prima del director Remi Weekes, y que sirve como una historia compleja y aterradora en dos niveles: el de la casa embrujada, que es su punto crucial, en contraste con la experiencia de los refugiados sudaneses en un Reino Unido a menudo poco acogedor. El primero es sin duda el que te hace saltar — y qué refrescante que este género exista fuera de una destartalada y mohosa mansión antigua — pero el segundo es una realidad imposible de sacudir de nuestras mentes después de los créditos de cierre, y la que causa los verdaderos escalofríos.

27. The Invisible Man | Dir. Leigh Whannell

La luz de gas se vuelve monstruosa en The Invisible Man, una visión del siglo XXI del clásico espectro invisible. Con la ayuda de la juguetona amenaza de Leigh Whannell, cuyo trabajo de cámara y composiciones provocan constantemente una sutil acción en las esquinas del encuadre, el filme encuentra a Elisabeth Moss intentando convencer a cualquiera que la escuche de que no está loca, y que realmente está siendo perseguida por su novio abusivo que creía muerto. Sin embargo, como dicho depredador no es visible para el ojo humano, no es una tarea fácil. Así, Whannell orquesta una serie de piezas fijas finamente afinadas en las que el peligro letal podría materializarse en cualquier momento, desde cualquier dirección.

26. Enola Holmes | Dir. Harry Bradbeer

Luego de ver a Millie Bobby Brown durante tres temporadas como Eleven en la serie Stranger Things, era hora de que la viéramos en solitario y en un nuevo proyecto, y vaya que Enola Holmes fue la película perfecta para hacerlo. Inspirada en la serie de libros de Nancy Springer (basados a su vez en la clásica historia del detective de Athur Conan Doyle), la película narra la historia de la joven hermana de Mycroft y Sherlock Holmes, quien sigue sus propias aventuras tras la sorpresiva desaparición de su madre (Helena Bonham-Carter). Con un ritmo acelerado, el rompimiento de la cuarta pared, mucha personalidad y un elenco completado por Henry Cavill y Sam Claflin, Enola Holmes son las dos horas más encantadoras que vimos en el 2020.

25. Kajillionaire | Dir. Miranda July

Las películas de Miranda July tienden a ser asuntos de amor o de odio. Pero la dulce y pensativa Kajillionaire es la cintade July más fundamentada hasta la fecha, relatando la historia de una familia de estafadores de Los Ángeles que sobreviven con trucos simples. Su graciosa existencia se basa en mentiras y conceptos erróneos sobre cómo funciona la sociedad, lo que resulta especialmente problemático para esta extraña joven de 26 años que ha sido criada sin darse cuenta de lo desequilibrada que es su vida. Está interpretada por una apropiada y desgarbada Evan Rachel Wood, que se convierte en un florecimiento para sus implacables padres (Debra Winger y Richard Jenkins) cuando el trío recluta a una entusiasta de Ocean’s Eleven (Gina Rodríguez, que hace una de las actuaciones más divertidas del año) para ayudarles a llevar a cabo un golpe maestro.

24. Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan | Dir. Jason Woliner

14 años después de haberse convertido en un nombre muy conocido, el reportero kazajo de Sacha Baron Cohen, Borat Sagdiyev, vuelve a burlarse de los estadounidenses racistas, misóginos y antisemitas en la una nueva entrega de Borat, la rara secuela de comedia que iguala la hilaridad de su predecesora. Con el fin de restaurar la reputación de su patria (que arruinó con la primera película) regalando un famoso mono al vicepresidente estadounidense Mike Pence, Borat termina acompañado por su hija Tutar (María Bakalova en uno de los mejores roles del año) de 15 años, en otra odisea a campo traviesa que incluye paradas en tiendas, bailes de debutantes y concentraciones de nacionalistas blancos (donde dirige cánticos que revelan el odio de los asistentes). Cortesía de los fenomenales Cohen y Bakalova, la relación agridulce de Borat y Tutar proporciona una sólida base para una serie de chistes politizados con cámara oculta en los que el comportamiento inaceptable de los extranjeros induce a la gente real a exponerse como intolerantes y sexistas.

23. First Cow | Dir. Kelly Reichardt

La directora Kelly Reichardt tiene la formidable habilidad de evocar un sentido de lugar, pensamiento, emoción y motivación en First Cow. Adaptado de la novela de Jonathan Raymond The Half Life, el drama de Reichardt se centra en un chef nómada de la década de 1820 llamado Cookie (John Magaro) que, tras llegar a un fuerte en el noroeste del Pacífico, se hace amigo de King Lu (Orion Lee), un solitario chino conocedor en la zona, y hace negocios con él, horneando y vendiendo populares “pasteles de aceite” hechos con leche robada de una vaca lechera propiedad del acaudalado Chief Factor (Toby Jones). El intento de Cookie y King Lu de elevarse por encima de su posición socioeconómica mediante un plan criminal, y el desastre potencial que les espera, es el corazón en suspenso de este tranquilo thriller que nos ofrece una visión empática de la amistad masculina y los peligros del capitalismo.

22. Relic | Dir. Natalie Erika James

No importa que sus personajes estén plagados de malvadas fuerzas sobrenaturales, el debut como directora de Natalie Erika James es un thriller sombrío y realista. Llamadas a su hogar rural de la infancia en Australia después de que la matriarca Edna (Roby Nevin) desaparece temporalmente, Kay (Emily Mortimer) y su hija Sam (Bella Heathcote) descubren que el pasado se niega a permanecer tranquilo. El fantasma de la muerte está en todas partes en esta residencia rústica, cuyas cajas desordenadas e innumerables artefactos son reflejos de la mente de su dueña, y cuya espeluznante podredumbre en las paredes hace eco en el cuerpo envejecido de Edna. Las miradas vacías y el extraño comportamiento de Edna son el catalizador de una historia que deriva su suspenso de las desconcertantes piezas del decorado y, más aún, del deterioro físico y mental de la anciana.

21. Palm Springs | Dir. Max Barbakow

Al llegar a una plataforma de streaming en medio de una pandemia, un momento en el que muchas vidas habían caído en incesantes bucles de repetición y tedio relacionados con la cuarentena, la comedia Palm Springs quizás resonó de manera diferente a cuando se estrenó en Sundance a principios de este año. Los chistes sobre hacer la misma mierda una y otra vez ahora nos golpean más fuerte. Siguiendo la pista de un romance entre un invitado de boda (Andy Samberg) y la hermana autodestructiva de la novia (Cristin Milioti), el inteligente guión del escritor Andy Siara combina el existencialismo del Día de la Marmota con una curiosa visión de la física cuántica, repartiendo lecciones de vida inspiradoras y sesiones de matemáticas a un ritmo trepidante.

20. Emma | Dir. Autumn De Wilde

“Guapa, inteligente y rica” es como el eslogan de Emma describe a su heroína casamentera (Anya Taylor-Joy), pero también es un resumen acertado de la adaptación de Jane Austen de la directora Autumn de Wilde, que se ve energizada por un estilo meticuloso, ingenio y emociones apasionadas. Siguiendo de cerca el material original, la película muestra los esfuerzos de Emma Woodhouse para encontrar un pretendiente para su amiga Harriet Smith (Mia Goth) mientras lucha con sus propios sentimientos florecientes por el cuñado de su hermana, George Knightley (Johnny Flynn). Los enredos románticos suceden, no solo para estos tres personajes, sino para muchos otros que de Wilde y la guionista Eleanor Catton delinean fielmente con pinceladas limpias y brillantes.

19. Pieces of A Woman | Dir. Kornél Mundruczó

¿Es posible sobrevivir si pierdes a la persona que más amabas? ¿A dónde recurres cuando no tienes ningún lugar a dónde recurrir? En Pieces of a Woman, estas y otras dolorosas preguntas se plantean a través de la experiencia sufrida por una familia, y en especial una mujer (interpretada magistralmente por Vanessa Kirby) luego de la pérdida de su bebé durante el parto. Con la fe de que el arte puede ser la mejor medicina para el dolor, Pieces of a Woman cuenta una historia profundamente conmovedora sobre la tragedia, y cómo aprender a vivir junto a ese dolor. Cuando llegamos al final del filme, la única lección es que la pérdida va más allá de los límites de la comprensión o el control para todos nosotros, pero viene con la capacidad de hacernos renacer.

18. Never Rarely Sometimes Always | Dir. Eliza Hittman

Tocando un tema social polémico, Never Rarely Sometimes Always cuenta la historia de la embarazada Autumn (Sidney Flanigan), de 17 años, y que con su leal prima Skylar (Talia Ryder) a su lado, viaja a Nueva York para conseguir un aborto. Tal como lo imaginó la escritora y directora Eliza Hittman (Beach Rats), la circunstancia de Autumn la lleva a una terrible experiencia de incómodas visitas al médico, angustias financieras e incesantes humillaciones sufridas a manos de los hombres, ya sea por el acoso sexual de sus compañeros de clase, por su padre borracho e indiferente (Ryan Eggold) o por un chico (Théodore Pellerin) al que ella y Skylar conocen en el autobús a Manhattan. La saga de Autumn desgarradora justo por ser tan común y ordinaria.

17. Da 5 Bloods|Dir. Spike Lee

Spike Lee lo entrega todo con Da 5 Bloods, abordando el racismo histórico y moderno, la opresión, la culpa, la codicia y la hermandad a través de la historia de cuatro veteranos de Vietnam (interpretados por Delroy Lindo, Clarke Peters, Isiah Whitlock Jr. y Norm Lewis) que, junto con el hijo del personaje de Lindo (Jonathan Majors), regresan al sudeste de Asia para recuperar los restos de su camarada caído Stormin’ Norman (Chadwick Boseman) y para encontrar el oro que enterraron hace años. Lee no se guarda nada en la memoria al relatar esta historia en expansión, empleando material de archivo, diferentes relaciones de aspecto fimográfico, abundantes melodías de Marvin Gaye, flashbacks, gritos de Black Lives Matter, denuncias a Trump y referencias a notables (pero en gran parte olvidadas) pioneros afroamericanos.

16. Ammonite|Dir. Francis Lee

La segunda película del británico Francis Lee, mejor conocido por su debut God’s Own Country, se centra en otra pareja homosexual: Ammonite cuenta la historia de un romance apasionado, casi desesperado, entre dos mujeres en la Gran Bretaña del siglo XIX, sitúa esa pasión en un marco austero y minimalista; es o bien la película más reservadamente apasionada que jamás hayas visto, o bien la más apasionadamente reservada. El filme es también un hermoso y profundo estudio de los personajes de las mujeres maravillosamente interpretadas por Kate Winslet y Saoirse Ronan. Pero es tan silenciosa que te hace inclinarte hacia la narración y esforzarte por los detalles que salen lentamente: e incluso su escena de amor más cargada fundamenta el placer sexual profundamente en el dolor, el anhelo y la separación.

15. Welcome To Chechnya|Dir. David France

La tecnología deepfake se ejercita de manera impresionante en Welcome to Chechnya, ya que el documentalista David France utiliza la técnica de transformación facial para enmascarar las identidades de sus sujetos: un grupo de activistas LGBTQ+ que intenta sacar de contrabando a hombres y mujeres gays de su Chechenia natal antes de que el gobierno pueda secuestrarlos, torturarlos y asesinarlos. El hecho de que el Estado controlado por Rusia esté en una misión genocida para “limpiar la sangre” de la nación exterminando a su población homosexual es una realidad aterradora que ha sacado a la luz France, quien detalla los esfuerzos de estas valientes almas por utilizar subterfugios para llevar a escondidas a personas en situación de riesgo a enclaves europeos más seguros.

14. On The Rocks|Dir. Sofia Coppola

Con On the Rocks, Sofia Coppola se reúne con su estrella de Lost in Translation, Bill Murray, para otra odisea en la que participan una joven y un hombre mayor. Aunque los resultados no son tan dinámicos como su anterior colaboración, el drama romántico de Coppola encuentra a Murray como Felix, el Casanova padre de Laura (Rashida Jones), con quien se embarca en una investigación sobre las posibles infidelidades de su marido Dean (Marlon Wayans). Pareciendo que se burla del famoso padre de Coppola, Francis, Murray es una encantadora fuerza de la naturaleza como un seductor incorregible, dedicado a su hija y totalmente, hilarantemente consumido por sí mismo.

13. The Trial of The Chicago 7 | Dir. Aaron Sorkin

En un año tan desprovisto de la experiencia clásica del cine como el 2020, The Trial of The Chicago 7 es el tipo de película que te hace añorar la sala oscura. Escrita y dirigida por Aaron Sorkin, la película toma las libertades clásicas de Hollywood con los verdaderos acontecimientos que rodearon la Convención Nacional Demócrata de 1968, dando a la historia un impulso dramático impulsado por actores como Sacha Baron Cohen, Jeremy Strong y Yahya Abdul-Mateen II. Filmada en 2019, no refleja deliberadamente el creciente interés de 2020 por la justicia social y el sistema roto por tantos lugares diferentes, pero lo hace de todas formas. Los Siete presentan una gama de puntos de vista a menudo enfrentados dentro del activismo progresista que no resuelven del todo: lo que importa es sobrevivir a este momento y llegar a la siguiente lucha, para seguir trabajando.

12. The 40 Year-Old Version | Dir. Radha Blank

Radha Blank trabajó durante años como dramaturga neoyorquina, incapaz de conseguir el éxito comercial que tantos de sus compañeros blancos parecían conseguir. Así que los superó a todos, convirtiendo esa lucha en una película encantadora en la que Blank interpreta una versión de sí misma. The 40 Year-Old Version es una comedia ágil con una melancolía profunda y verdadera. A medida que la Radha ficticia se acerca a los 40, se encuentra doblegada y canalizando sus frustraciones a través de una aventura de hip-hop amateur. Las historias de trabajos artísticos no son nuevas, especialmente en Hollywood, pero la inteligente perspectiva de Blank se resiste a los clichés. Es descarada pero carismática, cansada pero no está lista para rendirse. Más vale tarde que nunca.

11. Possessor | Dir. Brandon Conenberg

Brandon, el hijo de David Cronenberg, escritor y director, demuestra que maneja magistralmente el body-horror con Possessor, un retorcido thriller de ciencia ficción sobre un futuro cercano en el que la asesina Tasya Vos (Andrea Riseborough) lleva a cabo sus misiones conectándose a una máquina y “entrando” en la mente y el cuerpo de otra persona, a la que luego manipula como una marioneta. La relación simbiótica entre el humano y la máquina es la base sobre la que Cronenberg construye una historia oscura y demencial, y el efecto que tiene sobre el sentido del ser de Vos cuando la última persona que invade, Colin Tate (Christopher Abbot), resulta ser un instrumento de muerte menos que complaciente.

10. Mucho Mucho Amor | Dir. Kareem Tabsch & Cristina Costantini

En la década de los 90 no hubo una casa en Latinoamérica en donde no hubiese un televisor en donde al menos una vez al día nos encontráramos con la figura rococó, dramática, kitsch e irrepetible de nuestro propio Liberace latino: el astrólogo Walter Mercado. En este excelente documental, nos adentramos en el auge y caída de esta icónica figura mediática mientras dejaba entrar a los cineastas a su casa de Puerto Rico durante sus últimos meses de vida, dando testimonio de su vida y pasiones, así como de sus negocios y detractores. Mucho, Mucho Amor sirve como una excelente introducción de Mercado para quienes nunca lo conocieron, y como el último capítulo y despedida de una leyenda latina inolvidable para los que aún lo recuerdan.

9. Rising Phoenix | Ian Bonhôte & Peter Ettedgui

En una era en la que estamos acostumbrados a ver películas de superhéroes a diestra y siniestra, merece la pena tomarse el tiempo de ver finalmente un documental que los representa con dignidad, belleza y pasión. En Rising Phoenix conocemos las historias de algunos de los atletas paralímpicos más destacados de los últimos tiempos, y los sacrificios y esfuerzos que han hecho para llegar a la élite deportiva a la que pertenecen. Demostrando que los límites existen solo en nuestra mente y con momentos inspiradores que te pondrán la piel de gallina y hasta soltar algunas lágrimas, terminarás la película cruzando los dedos a que la pandemia te permita ver a estos ejemplos de vida en los próximos juegos paralímpicos, que son el verdadero espectáculo del ciclo olímpico.

8. Sound of Metal | Dir. Darius Marder

Un estruendoso asaltos con explosiones dan paso a un espeluznante silencio para Ruben (Riz Ahmed), un baterista punk-metal cuyo oído desaparece de repente, y de forma aterradora, en el filme del escritor/director Darius Marder. Ante este inesperado y debilitante giro de los acontecimientos, Ruben se ve obligado por su compañera de banda Lou (Olivia Cooke) a abandonar la gira y aparcar su trailer en un hogar para sordos dirigido por el generoso pero severo Joe (Paul Raci). Aceptar el destino, dejar atrás el pasado y definir una nueva identidad son procesos que requieren la ayuda de los demás, y por lo tanto resultan profundamente dolorosos para Ruben, cuyo torso tatuado y pelo rubio claro hablan de su espíritu solitario. Ruben es un drogadicto en recuperación cuya búsqueda para recuperar sus sentidos auditivos es su propia forma de adicción, y Ahmed lo encarna con partes iguales de ferocidad y angustia.

7. Mank | Dir. David Fincher

En 1941, la productora RKO le dio a Orson Welles un cheque en blanco para hacer el clásico Citizen Kane. En 2020, el cheque podría no ser tan en blanco, pero está claro que Netflix le dio a David Fincher la carta blanca que merecía para hacer precisamente la película que quería: una obra maestra monocromática típicamente meticulosa. Los paralelismos personales están en todas partes: al contar la historia de un genio creativo obsesionado por un Hollywood en el que no encaja, puede ser lo más cercano a una autobiografía de Fincher que jamás conseguiremos, a la que el guión, escrito por Fincher padre, le dio una dimensión personal añadida. Pero también es un triste retrato de un artista autodestructivo, que hace su mejor trabajo a expensas de casi todo. Las profundas inmersiones en las complejidades del Viejo Hollywood serán demasiado específicas para algunos, pero para los nerds del cine de la Edad de Oro, es el paraíso absoluto.

6. Ma Rainey’s Black Bottom | Dir. George C Wolfe

Ma Rainey’s Black Bottom es una celebración de tres artistas y leyendas negras de la vida real. Está la cantante de blues, a menudo llamado la “Madre del Blues”, cuyo nombre y canción le dan el título a la película. Está el autor, August Wilson, quien, inspirado por Rainey y la época en la que encontró la fama, creó su obra de 1984 en torno a su personaje más grande que la vida misma. Y está Chadwick Boseman, que nos fue arrebatado demasiado pronto, que eligió este difícil material para interpretarlo mientras vivía con cáncer. Nunca sabremos si Boseman sabía que este sería su último performance; y el hecho de que lo es nos hechiza y conmueve como espectadores, especialmente durante un monólogo en particular. Boseman nunca dio menos del cien por cien a sus a menudo exigentes papeles. Su trabajo aquí como trompetista, Levee, no es una excepción. No es exagerado decir que su última actuación puede ser la mejor.

5. One Night In Miami | Dir. Regina King

El debut como directora de Regina King demuestra que la talentosa actriz también tiene un gran talento detrás de la cámara. Basado en la obra de teatro de Kemp Powers del mismo nombre, trata del encuentro ficticio entre las mayores voces del movimiento por los derechos civiles — Muhammad Ali, Malcolm X, Sam Cooke, y Jim Brown, quienes se reúnen en una habitación de hotel en Miami donde discuten el mundo en el que viven, su legado y su raza. La importancia de tener a todos estos hombres en la misma habitación juntos en esta fecha es lo que seguirá en sus vidas reales: días después de la pelea, Clay se convierte al Islam y cambia su nombre por el de Muhammad Ali, lo que lo lleva a convertirse en uno de los críticos más vocales de la injusticia social por el resto de su vida. Malcolm X es asesinado un año después, Sam Cooke es asesinado 10 meses más tarde y Jim Brown se retira del fútbol en 1966. Lo que King hace es elevar la obra de Powers a la forma de una película inolvidable.

4. Minari | Dir. Lee Isaac Chung

Cuando leemos o escuchamos la palabra “inmigrante”, tendemos a tener muchas imágenes en nuestra cabeza, muchas de las cuales son clichés. Pero el lírico drama familiar de Lee Isaac Chung te lleva dentro de la experiencia del inmigrante con una humanidad tan franca pero poco convencional que te conmueve y te despierta al mismo tiempo. Ambientada en la década de 1980, Jacob Yi (Steven Yeun) y su esposa, Monica (Yeri Han), que originalmente vino de Corea del Sur, han estado en los Estados Unidos por mucho tiempo, trabajando en una planta avícola en California. Pero luego se mudan, con sus dos hijos, a una extensión de tierra verde y fértil en medio de Arkansas. Es como si se estuvieran plantando en el jardín de una nueva vida, echando raíces por primera vez. Jacob planea cultivar la tierra, pero el sueño que se ha propuesto demuestra ser una subida empinada.

3. Tengo Miedo Torero | Dir. Rodrigo Sepúlveda

Hacer una película de una figura tan legendaria y de culto como el chileno Pedro Lemebel lleva consigo una responsabilidad inmensa, pero también el honor de un legado queer y rebelde que se resumen en el título de esta cinta y el libro por el que Lemebel es más conocido. Con un Alfredo Castro sumergido en la piel del escritor y activista, Sepúlveda nos lleva por la realidad de un Chile en dictadura, dándonos un sentido real de lo que era vivir bajo el yugo de Pinochet mientras una drag queen y un guerrillero se encuentran a sí mismos y al amor casi por accidente. Encontrar el equilibrio adecuado entre la exuberancia, los temores y esperanzas no pronunciadas es difícil, pero Castro lo consigue, renunciando a cualquier manerismo y expresando las inseguridades del personaje, principalmente en sus miradas y silencios. Cuando la película llega a su fin, en la playa, no es la vista sino la sabiduría vivida, salpicada tanto de humor como de arrepentimiento, lo que nos conmueve.

2. Nomadland | Dir. Chloé Zhao

En su superficie, Nomadland es una simple historia sobre una mujer de mediana edad llamada Fern (Frances McDormand) que, después de perder a su marido (por enfermedad) y su casa (por el cierre de una planta y el pueblo que sustentaba), se embarca en una vida itinerante a través de las llanuras norteamericanas. Sin embargo, hay profundidades en el filme de la directora Chloé Zhao, con temas como la pérdida y el dolor, descubrimiento y maravilla, penuria y supervivencia, y soledad y unión. McDormand construye una interpretación imponente a partir de gestos y expresiones sutiles, con la dinámica económica y social moderna como telón de fondo, la película de Zhao sitúa la belleza, el miedo, el peligro y la euforia tranquila en la búsqueda errante de Fern de la satisfacción, lo que demuestra que estar solo y sentirse solo no es siempre lo mismo.

1. Dick Johnson Is Dead | Dir. Kirsten Johnson

Rara vez una película ha expresado tanto amor por su protagonista como lo hace Dick Johnson is Dead, de Kirsten Johnson, por el anciano padre de la directora, Dick, un psicólogo de carrera que en 2017 comienza a sufrir el mismo tipo de deterioro mental que consumió a su esposa afectada por el Alzheimer. Decidida a documentar el declive de su padre, Johnson registra su tiempo al lado de su padre mientras que simultáneamente, y de forma loca, presenta imaginativos escenarios ficticios que implican su muerte (desde ser golpeado en la cabeza por un aire acondicionado que se cae, hasta ser apuñalado accidentalmente por un trabajador de la construcción) así como secuencias de Dick deleitándose en un brillante cielo lleno de bailarines que llevan máscaras de su cara. El peculiar documental es un modo de enfrentarse de manera alegre y angustiosa a la mortalidad y a dolor inminentes, con valentía, creatividad y devoción. Johnson es un deleite sin límites, encantador, cándido y de corazón abierto, incluso cuando su memoria comienza a decaer y su hija le hace ver su propio funeral simulado (al que asisten amigos y familiares). Dick Johnson is Dead es una atrevida obra maestra sobre la pérdida de seres queridos, de la memoria, y de hacer permanente lo impermanente. Long live Dick Johnson.

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